Kunsthistorisches Museum: Umfassende Schau mit Werken von Francis Bacon (1909 bis 1992)
Werke unverhüllter Schrecklichkeit
Von Brigitte Borchhardt-Birbaumer
Obwohl Francis Bacon durch Anregungen von Picasso seinen Weg
zur Malerei fand, hielt er 85 Prozent der Bilder dieses Künstlers für
schlecht, die gegenstandslose Malerei war für ihn reine Dekoration
"lyrischer Gefühlchen" - er strebte mit postkubistischer Verzerrung eine
Wirkung an, die direkt auf das Nervensystem abzielt. Für Jahrzehnte galt
Francis Bacon, der Urenkel des rationalistischen Philosophen, als der
beste und teuerste figurative Maler der Welt. Seine große, aus seiner
Sicht, unerreichte Liebe galt Velázquez und dabei besonders dem sitzenden
Bildnis von Papst Innozenz X.
Nun widmet das Kunsthistorische Museum
dem Künstler eine erste große Retrospektive der "anderen" Art in
Österreich: 40 seiner Werke aus bekannten Sammlungen und Privatbesitz
werden unter dem Titel "Francis Bacon und die Bildtradition" älteren
Künstlern, wie den von ihm so geliebten Velázquez und Rembrandt, aber auch
Ingres, Tizian, Degas, Picasso, Soutine, Schiele, Giacometti und Filmen
von Eisenstein und Buñuel gegenüber gestellt. Dazu sind die für
ihn so wesentlichen Fotovorlagen und Skizzen aus seinem Atelier, das im
Dubliner City Museum akribisch nachgebaut wurde, ausgestellt: Kuratorin
Barbara Steffen orientierte sich in vielem an den Interviews, die Bacon
zwischen 1962 und 1986 David Sylvester gegeben hatte, und gliederte in 16
Themen, von den Papstbildnissen über den Schrei als Motiv, die frühen
surrealistischen Anfänge, die bislang wenig bekannt sind, den männliche
Akt, Porträts, die so genannten "Käfige" um die Personen, die Maltechnik
usw.
Das kunsthistorische Konzept funktioniert sehr gut in den
seitlichen Kabinetten, nicht ganz geht die Hängung als Konfrontation der
großen Triptychen neben den InfantInnenporträts oder Parmigianinos
Selbstbildnis auf; das liegt vielleicht an den monumentalen Formaten und
der Vehemenz der Bacons, möglicherweise aber auch am fehlenden Tageslicht
und der musealen blaugrauen Wandbespannung, die für diese Malerei (trotz
Bacons Vorliebe für Verglasung und alte Rahmung) ungeeignet ist. Auch die
großartigen Papstporträts, die in einer erstaunlichen Anzahl vereint
werden konnten, verlieren damit an Wirkung.
Superlative der
Leihgaben
Von dieser Einschränkung abgesehen, ist es aber eine
Schau der Superlative in Sachen Leihgaben: Viele Hauptwerke sind dadurch
zu sehen - wie die dreiteilige Kreuzigung von 1962 ("Three Studies for a
Crucifixion", Guggenheim Museum New York), "Ödipus und die Sphinx"
(Lissabon, Mod. Museum), Porträts von Michel Leiris (Paris, Centre
Pompidou), das ganzfigurige Porträt der Isabel Rawsthorne in den Straßen
von Soho (Berlin, Neue Nationalgalerie) und drei herrliche Triptychen aus
Schweizer Privatbesitz sowie der Rad fahrende Georg Dyer und ein weiteres
Triptychon aus der Sammlung Beyeler in Basel-Riehen, die im Frühjahr die
Schau aus Wien übernehmen wird. Auch die älteren Vergleichsbeispiele sind
Leihgaben aus Philadelphia (Tizian), aus Zürich (Degas) oder New York
(Giacomettis "Nase").
Die Bedeutung des
Zufalls
Bacon wurde 1909 in Dublin geboren, er teilte - wie
Michel Leiris feststellte - Zeitalter und sachliche Beobachtung der
Verstörung des Menschen des 20. Jahrhunderts mit Samuel Beckett, und auch
für ihn galt der Zufall mehr als festgelegte Ordnung. Er behauptet in
seinen Interviews mit David Sylvester, er hätte immer ein Lächeln malen
wollen, es sei ihm nur nicht gelungen: Der Blick in den zum Schrei
geöffneten Mund beschäftigte ihn schon ab den vierziger Jahren, nachdem er
vom Design avantgardistischer Stahlrohrmöbel und Teppiche zur Malerei
wechselte. Anregungen aus Eisensteins "Panzerkreuzer Potemkin", einem
medizinischen Buch mit Mundkrankheiten und Nicola Poussins
"Bethlehemitischem Kindermord" führten von den "Drei Studien zu Figuren am
Fuß einer Kreuzigung" (1944) zu den legendären Papstbildnissen der
fünfziger Jahre. Heute ist bekannt, dass es noch viel mehr von diesen
wunderbaren Paraphrasen zu Velázquez gab - zwei ganzfigurige Porträts mit,
den Raum bestimmenden, vorhangartigen Streifen (aus dem Nachlass) sind
besonders erstaunlich, da er angeblich ähnliche vernichtet haben soll.
Seine zornige Arbeitsweise mit Lappen, breiten Pinseln und Schleudern
der Ölfarbe auf die oft mit Sand grundierten Leinwände, das Denken in
Triptychen und Serien, die er aber auch einzeln gehängt und nicht als
Erzählung sehen wollte, entsprach seinem Denken über das Leben als
"Verfall". Dem "Toben" mit dem Pinsel entspricht der gnadenlose Blick auf
den Menschen gleich einem Tier aus einem Fleischerladen (in der Schau auch
durch Fotomaterial dokumentiert), einem Wesen nach der Apokalypse in
Räumen voll von Zerrspiegeln, zerlegt, zerteilt, filetiert und blutend.
Seitdem Herbert Read die "Kreuzigung" von 1933 in seinem Buch "Art
Now" als Weg unerforschter Bereiche organischer Formen entdeckt hatte,
brach der Ruhm des spät berufenen Malers bis zu seinem plötzlichen Tod in
Madrid 1992 nicht mehr ab. 1948
kaufte Direktor Barr für das
MOMA New York das erste Bild, 1954 vertrat er England auf der Biennale
Venedig, er war auf der Documenta II, III und VI in Kassel, Philosophen
wie Deleuze und Leiris waren seine Autoren, nach den Retrospektiven in der
Tate Gallery und allen besten Ausstellungshäusern der Welt galt er als
größter englischer Maler seit Turner und bekam wie dieser einen eigenen
Raum in der
Tate.
Künstler ohne Botschaft?
Elf Jahre
nach seinem Tod stellt sich erneut die Frage, ob dieses Werk all die
Lobeshymnen der letzten Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts verdient hat.
Bacon, der behauptete, keine Botschaft zu haben, ist natürlich einer der
Zeitzeugen der Schrecknisse des vergangenen Jahrhunderts geblieben; nicht
umsonst malte er auch nach Propagandafotografien Hitlers und kennzeichnete
manche seiner entstellten Männer mit Hakenkreuzbinden neben den geöffneten
Kadavern wurmartig gekrümmter Christusgestalten nach Cimabue. Das Leben
als Kampf (oft zwischen zwei Männern) und der Tod als sein Hauptthema
beherrscht auch die Porträts seiner homosexuellen Partner wie George Dyer,
der durch Tabletten- und Alkoholsucht im Hotel umkam: Bacon überlebte
nicht nur seine Freunde, sondern auch der Tod seines Bruders in der
Kindheit wirkte nach. Der Zustand der Unruhe, der Hysterie und der
Neurose, die Einsamkeit sind neben der unverhüllten Schrecklichkeit seine
zeitgemäßen Themen.
Es fällt schwer, sich dem gnadenlosen Blick dieses
Künstlers zu entziehen, sein fuchshaftes Gesicht zu vergessen, das er, in
Ermangelung von Modellen malerisch entstellte und als verabscheuungswürdig
beschrieb - im Gegensatz dazu schildert er die Schönheit von
Fleischerläden. Vieles in seinem Denken war auf Bewegung im Raum
gerichtet; plastisch arbeiten wollte er dennoch nie. Die wenigen
erhaltenen Skizzen aus seinem Nachlass (er selbst betonte immer, dass es
keine Zeichnungen zu den Gemälden gab) weisen jedoch einmal mehr auf diese
Begabung.
Ob ihm die Wiener Ausstellung, die Kuratorin Barbara Steffen
mit Generaldirektor Seipel konzipierte, gefallen hätte? In ihrer genauen
Analyse der von ihm hinterlassenen farbbespritzten Bücher und Fotos hätte
er sich in seiner Sachlichkeit wohl sehr bestätigt gefühlt, ob allerdings
Giacometti und Picasso, noch mehr Schiele und die alten Meister in
Konfrontation nicht doch seinen gefürchteten Sarkasmus erregt hätten?
Erschienen am: 14.10.2003
Kunsthistorisches Museum:
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